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Romulo Royo

BAU - GODDESSES OF NIBIRU SERIE

2 200 € 

Autor Romulo Royo

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  • 634-P
  • Disponible
46 x 38 x 3  cm
18.11 x 14.96 x 1.18''  inch

PINTURA

Acrílico y óleo sobre lienzo/canvas.

Formato de 46 x 38 cm (18.11 x 14.96 in).

Año de realización 2015.

Firmado en la parte inferior derecha de la pieza.

"Es un cuadro que te trasmite poder al mismo tiempo que trasmite serenidad, sus colores y símbolos como los tatuajes entre orientales y étnicos, Nos sitúa en la serie Goddesses.

En la serie Goddesses of Nibiru, refleja el juego del mito y lo real. La delicadeza y la fuerza representada por la figura femenina. Plasma unas facciones bellas, enigmáticas y en algunos casos veladas, como si de una ensoñación o ilusión se tratara. Los atuendos y adornos son atemporales, objetos que nos pueden recordar civilizaciones antiguas, como plumas, aderezos de chapas de metal, en contraposición a elementos futuristas, como gorros extraños y en algunos casos, cuadros que llevan iluminación saliendo del cuello de alguno de estos personajes. Él mismo dice, el cuello es comunicación y relación del interior hacia el exterior, es la unión del cuerpo espiritual con el material y quería representar en estas Diosas una forma de comunicación mediante la luz que sale del cuello.

Romulo Royo trae una estética propia, centrada en los dioses que habitan este planeta llamado Nibiru, partiendo de textos mesopotámicos y babilónicos. Según estos textos es un planeta del sistema solar que orbita alrededor de nuestra estrella cada 3600 años. Nibiru es el hogar de los dioses, de los Anunnaki, o lo que es lo mismo, seres alados.
Es curioso que en la mitología mesopotámica puede hacerse una división entre las divinidades sumerias y las semitas. Primero existieron los dioses sumerios que más tarde fueron adaptados por los acadios, babilonios, asirios, arameos y caldeos (todos ellos pueblos semitas) que más tarde, de estas fuentes beben religiones como la Cristiana y Hebrea. Y adaptan dioses como Enki, Enlil, An, Inanna por nombrar a algunos. En algunos casos tienen similares atributos en estas últimas religiones a los antiguos textos, pero adaptados y nombrados de diferente forma.
  
La pintura figurativa, al parecer, está destinada a ser el elemento perenne del arte contemporáneo: siempre disponible para una aventura, nunca por mucho tiempo. La última vez que uno podía admitir su pasión sin cometer suicidio social en el mundo del arte fue probablemente alrededor de 2003, cuando el pintor John Currin realizó su encuesta midcareer en el Whitney Museum of American Art , en Nueva York. Currin, conocido por inyectar nuevas ideas en antiguas imágenes del cuerpo, era guapo, exitoso y juvenil. Sus pares también eran del momento: Elizabeth Peyton se codeaba con Marc Jacobs , y George Condo molestaba a los coleccionistas con el retrato obsceno. El año anterior a la retrospectiva de Currin, una exposición comisariada por Alison Gingerasen el Centro Pompidou, en París, "Querido pintor, píntame ... Pintando la figura desde el último Picabia", se había abierto para ser aclamado. Como observó la crítica Roberta Smith en The New York Times, "los informes sobre la muerte de la pintura se han exagerado durante unos 30 años".

"El cuerpo en crisis está cada vez más presente en nuestra vida cotidiana", señala el comisario y director asociado de MoMA PS1, Peter Eleey, quien encabezó el equipo curatorial 2015 del Greater New York. "Ya sea en referencia a la situación de los refugiados" -no especificó cuál, pero hay muchos- "o la forma en que los medios están procesando Black Lives Matter, la abstracción ha sido cómoda -para nosotros. Pero no da forma a las incomodidades y preguntas que creo que muchos de nosotros estamos lidiando ". Deitch recuerda eso, y agrega:" Este no es un momento en el que una pesada pintura de Mark Rothko sobre el mito sea relevante ". esa pintura figurativa permite un contenido cultural más diverso (vestimenta, color de piel, ambiente) que la abstracción".

Fan Zhong (W Magazine)

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